9 af de mest berømte minimalistiske kunstværker, der definerede genren

Genren minimalisme afsløres i forskellige former for kunst: maleri, musik og litteratur. Det opstod i 60'erne af det XX århundrede og blev til som et svar på abstrakt ekspressionisme. Minimalister forsøgte at bevæge sig væk fra den abstrakte ekspressionismes ekspressive træk, da de anså disse værker for pompøse og nedtonede selve kunstens væsen. Tværtimod forsøgte kunstnere af den minimalistiske genre at skabe et billede fra enkle linjer og figurer. Minimalisme er karakteriseret ved fortolkning af værker gennem beskuerens øjne. Specielt for dette kunstværk fjernes alle komplekse genstande, midler til selvudfoldelse, biografier og sociale programmer. Beskueren skal se billedet, som det virkelig er: fuld af jomfruelig skønhed og ærlighed.

På grund af den stærke vægt på grundlæggende elementer blev genren minimalisme kendt som ABC-kunst. De fleste af de mest fremtrædende minimalister var billedhuggere, men minimalisme var også udbredt i Land Art, en udløber af genren med det formål at skabe kunst i form af landskaber, i det væsentlige en gren af landskabsdesign.

Minimalisme er også fokuseret på bevægelse af lys og rum, men mange kunstnere af denne genre forsøger at skildre tomhed i deres værker.

Man mente, at minimalisme opstod i Asien. For mange vestlige kunstneres arbejde, som eksemplificeret af Agnes Martin, har zenbuddhismen haft en enorm indflydelse. Den store masse af minimalistiske kunstnere var påvirket af begrebet "tomhed" lånt fra de hinduistiske skrifter. Mono-ha var en af de største minimalistiske bevægelser i Asien. Det var Japans første internationalt anerkendte samtidskunstbevægelse. Mono-ha, også omtalt som "Tingenes Skole", opstod i midten af 60'erne af det XX århundrede og blev derefter en innovativ kunstbevægelse. Denne gruppe blev ledet af Li Ufang og Nobuo Sekine. Det var den eneste forening, der placerede sine aktiviteter som "ikke-kreativitets" aktiviteter. Sådanne grupper afviste traditionelle ideer om repræsentation. Deres ønske var at afsløre verden ved at interagere med materialer og deres egenskaber, svarende til den vestlige trend med minimalisme.

Vi tilbyder at se de mest berømte værker af minimalistisk kunst, med vægt på at tilhøre denne genre. Du vil også blive præsenteret for malerier og skulpturer, der ødelægger traditionelle ideer om kunst generelt, da de har slettet forskellene mellem dem.

Frank Stella "Bannere mod himlen!" (1995)

Frank Stella, som maler, billedhugger og grafiker, betragtes som en af de mest indflydelsesrige amerikanske kunstnere, der lever i dag. Hans malerier, fulde af striber, såvel som grandiose tryk, revolutionerede ikke kun minimalismens verden, men også abstraktionen. Forfatteren bemærker, at den største indflydelse på hans arbejde blev leveret af de abstrakte kunstnere Pollock og Klein. Men efter skæbnens vilje blev Frank Stella en af minimalismens grundlæggere.

"Bannere op!" opkaldt efter nazisternes marchsang, men alt undtagen billedets navn synes ikke at have nogen betydning. Dette værk er en del af en stor cyklus af Stellas mørke værker. De lyse linjer, der er tydeligt synlige på billedet, er blot et ubehandlet lærred tilbage blandt brede sorte striber. Dette monokrome værk er et af de mest berømte malerier til at udfordre den abstrakte bevægelse.

Robert Morris, Uden titel (Mirror Cubes) (1965/71)

"Untitled (Mirror Cubes)" af Robert Morris afslører ham ikke kun som skaberen af den minimalistiske genre, men også som en konceptuel. Forfatteren stødte på store grå æsker lavet af krydsfiner og brugt som dekorationer, mens han stadig optrådte med et balletkompagni. I sit arbejde dækkede han disse kasser med spejle og ændrede derved opfattelsens måde, og tilføjede nye visuelle egenskaber til simple grå terninger. Kompositionen er rettet mod beskuerens direkte interaktion med objektet: gående mellem de spejlede kuber støder beskuerne ufrivilligt sammen med sig selv og forbliver som alene med deres tanker, men alene med alle. Handlingen med at beundre et kunstværk bliver pludselig afbrudt af søgen. Det er på dette grundlag, at "invasionen" af gallerirummet finder sted. En person begynder at føle tilstedeværelsen af kunst ud over det synlige.

Agnes Martin, Tilbage til verden (1997)

Agnes Martin malede malerier, der ikke afbildede genstande på nogen måde, men alligevel understregede deres navne naturens stærke charme. Martins arbejde blev anerkendt af et gitter, der kombinerer minimalisme og farvesammensætning. Gitteret blev brugt til at organisere pladsen på lærredet. Hun har hjulpet med at skabe en endeløs række af beroligende værker i subtile farvesammensætninger.

Stærkt påvirket af zenbuddhisme og taoisme, har Martin været meget adskilt fra verden i det meste af sit liv, selv boet i New Mexico. I en alder af 40 fik hun diagnosen skizofreni. "Tilbage til verden" blev skrevet i hendes 9. årti af livet. På det tidspunkt var hun på et plejehjem. Striberne af blå, fersken og gul fortsatte stadig med at fremhæve kunstens eksklusivitet i en verden fuld af korruption, så hun reducerede størrelsen af sine lærreder til at være mindre svære at håndtere.

Ellsworth Kelly, Rød, Gul, Blå II (1953)

Tjeneste under Anden Verdenskrig havde en klar indflydelse på Ellsworth Kelly. Det blev på en måde brugt som iagttagelse af natur og arkitektur, og så blev det brugt i praksis. En omhyggelig undersøgelse af abstraktion af forfatteren og dens anvendelse i hans værker udviklede minimalisme. Serien af malerier "Rød, Gul, Blå" påvirkede måden at male på. Det blev skabt, så snart Kelly opdagede de uendelige muligheder med monokromt farvespektrum, tilfældighed og multipanelsammensætning.

Rød Gul Blå II består af syv paneler. Det centrale sorte panel er både et skillepanel og tre paneler på hver side. Blå paneler i enderne fremhæver Kellys komposition. Det er dette værk, der regnes for et af hans bedste værker, såvel som det største værk under hans ophold i Paris.

Sol Levitt, Malede vægge

Sol Levitt har malet 1.350 vægge i 40 år af sin karriere, hvoraf 3.500 er installationer på 1.200 steder. Designene var helt anderledes: fra lige striber påført med sort skifer, til flerfarvede bølgede linjer, ensfarvede geometriske former og lyse rum malet med akryl. Forfatteren afviste den traditionelle betydning af skaberens egen hånd, hvilket gav ham mulighed for at hjælpe andre med at skabe sit kunstværk. Hans vægmalerier tog form af de rum, de besatte, derfor blev de udsat for studier inden for arkitektur og kunst.

Levitt døde i 2007, men hans arbejde fortsætter med at leve, fordi kunstnerens ånd er indlejret i dem. I dag er der flere kunstnere, der nægter at genskabe hans vægmalerier, og derved giver dem mulighed for at dekorere vægge rundt om i verden.

Judy Chicago, Rainbow Picket (1965)

Rainbow Picket er en installation i rumstørrelse. Den består af seks trapezoider, forskellige i farve og længde. Ud over den første soloudstilling på Rolf Nelson Gallery i Los Angeles (januar 1966) blev dette værk vist i grundudstillingen "Basic Structures" på Det Jødiske Museum.Clement Greenberg, kendt kritiker, talte om dette arbejde som det bedste på dette område. I 2004 blev Rainbow Picket rekonstrueret, og senere blev objektet kendetegnende for LAMOCA "Minimalistic Future? Kunst som objekt (1958-1968)".

Ved at skabe værker som dette, afprøve farvernes muligheder med sine selvfremstillede rumlige mønstre og skemaer, blev Judy Chicago berømmelse som en innovator i den minimalistiske genre.

Dan Flavin, "Uden titel (Efter Harold Joachim) 3" (1977)

"Uden titel (efter Harold Joachim) 3" er et af mange værker af Dan Flavin. Den består af LED-lamper og metalclips. Forfatteren studerede mulighederne for fluorescerende lys i tre årtier og udførte kun sit arbejde med kommercielt tilgængelige materialer. Efter at have givet afkald på begreberne abstrakt ekspressionisme, begyndte Flavin at bruge sådant udstyr og introducerede det derefter i en verden af høj kunst. Ved første øjekast ser værket ud til at være så enkelt som muligt, men hvis man ser godt efter, vil man se en dyb sofistikering af værket.

Flavins værker har en tendens til at gå ud over det rum, de befinder sig i, takket være lysets spil og en række farvepaletter. Objekterne giver beskueren mulighed for at bade i det varme lys fra LED'erne, hvilket skaber en specifik stemning.

Eva Hesse, "Et navnløst værk (rebstykker)" (1970)

Eva Hesse er født i Tyskland. Vi kender hende nu som en innovativ amerikansk billedhugger i arbejdet med latex, glasfiber og plast. Hun lagde grundlaget for udviklingen af post-minimalisme i 60'erne af det XX århundrede. Forfatteren udforskede egenskaberne af de enkleste materialer til brug i illustrationer for meget mere.

"The Nameless Work (Pieces of Rope)" blev til i 1970, da Hesse allerede var på randen af døden, og blev afsluttet med hjælp fra sine kammerater. Udstillingen er lavet af latex spændt over reb, fiskeline og wire og ophængt i loftet. Det simulerer et sammenfiltret mønster i rummet. Hesse har bevæget sig væk fra minimalismens traditionelle pænhed, men hendes måder at præsentere materiale på opfattes indenfor genren.

Donald Judd, Unavngivet job (1980)

Donald Judd benægter på det kraftigste sin forbindelse med minimalisme. På trods af dette er han en af dens grundlæggere. I begyndelsen af 60'erne af det tyvende århundrede opdagede forfatteren en vis fjendtlighed over for europæiske kunstneriske værdier, så han flyttede væk fra en billedhuggers arbejde og begyndte at skabe værker, der ikke kunne tilskrives nogen af de ovennævnte kunstsektioner. Hans arbejde har også været udstillet på Major Structures i New York.

I 1980'erne begyndte Judd at skabe hængende, lodrette hylder. Et eksempel på dette er "værk uden titel" (1980). Indtil nu kan denne type arbejde ikke henføres til maleri. Ikke en skulptur. værket er lavet af 2 typer materialer: aluminium og plexiglas. Dette gøres, så beskueren tænker over kunstens modsætningsfyldte natur: De uigennemsigtige og besættende figurer fra siden er forbundet med dybden af rummet foran.